Entrevista a RAVE IN FIRE: “Nadie maneja el timón mejor que el capitán” — así nace Square One

Con Square One ya en la calle, hablamos con Jimi, batería de Rave in Fire, para conocer de primera mano cómo se gestó este esperado disco y qué significa para la banda este nuevo capítulo.

En esta entrevista, Jimi nos abre las puertas al lado más personal del álbum, marcado por la superación, la madurez musical y la idea de volver a empezar para seguir creciendo. Autoproducción, evolución sonora, la escena metal nacional y los planes futuros del grupo son algunos de los temas que repasamos en una charla sincera sobre música, pasión y heavy metal en estado puro.

• Rave in Fire nació en Madrid en 2015, pero vuestro recorrido ha sido muy progresivo y constante. ¿En qué momento sentisteis que la banda dejó de ser un proyecto para convertirse en algo realmente serio?

Es una buena pregunta. No diríamos que hay un punto de inflexión como tal, porque la banda nació con la vista puesta en hacerse valer. Pero cuando sacamos el primer EP y llamamos un poco la atención de la escena (medios, bandas, clubes, etc), fuimos conscientes de que ya se había fraguado algo. A partir de ahí, teníamos que seguir tirando del hilo para intentar consolidarnos. Está siendo un viaje apasionante, la verdad.

• Vuestro primer gran punto de inflexión llegó con Sons Of A Lie en 2022. Mirando atrás, ¿qué cambió para vosotros a nivel interno y creativo tras ese disco?

Todo, sin duda. ‘Sons of a Lie’ fue un golpe sobre la mesa y un salto notable para la banda. Internamente, nos obligó a mentalizarnos de que el nivel de exposición iba a ser mucho mayor y teníamos que lidiar con ello de forma sana. Para algunos fue (y sigue siendo, en menor medida) una lucha importante.

En lo creativo, nos empujó a querer ser mejores, a seguir creciendo como músicos y como banda. En estos años hemos ganado mucha cohesión e, individualmente, mucha mayor madurez y dominio de nuestro instrumento. El proceso de creación de ‘Square One’ lo atestigua. Ha sido increíble hacer este disco.

• Square One vuelve a ser un álbum completamente autoproducido. ¿Qué ventajas y retos tiene asumir todo el proceso creativo, técnico y artístico sin intermediarios?

Efectivamente. La principal ventaja, hablando mal y pronto, es que nadie te toca los cojones jajajaja. Puedes trabajar a tu ritmo, a tu manera, sin límites de tiempo, sin gastar casi dinero o sin adaptarte a la disponibilidad de gente ajena a la banda. A cambio, lógicamente, se multiplica muchísimo el trabajo.

Una de las grandes virtudes de Rave in Fire es a la vez una de sus grandes flaquezas: nos gusta guisárnoslo y comérnoslo. A veces ese nivel de control puede llegar a ser obsesivo y hay que soltar un poco la soga y dejarse llevar. Pero también, si nos dejamos llevar demasiado en algún aspecto, llegan las cagadas. Nadie maneja el timón del barco mejor que el capitán. Es así. Poco a poco vamos logrando un equilibrio en el que nos sentimos cómodos.

• Jonjo Negrete ha vuelto a encargarse de gran parte de la composición, grabación y producción. ¿Cómo es ese equilibrio entre liderazgo creativo y trabajo colectivo dentro de la banda?

Pues, humildad aparte, absolutamente excepcional. En este aspecto, Jonjo es el líder perfecto. Él podría hacerlo prácticamente todo delante del ordenador. Sin embargo, da espacio a todos los miembros de la banda para que aporten su parte a la canción y brillar. Y eso, aunque lleve más tiempo de creación, multiplica la calidad de la composición. Creemos que esa es una de las claves fundamentales de esta banda: todas las canciones son de todos. Vemos que hay otros grupos donde un solo líder creativo domina toda la composición y no siempre se le saca todo el jugo que se puede. Si Rave in Fire suena así, es gracias a esta dinámica de la que estamos particularmente orgullosos.

• A nivel sonoro, Square One se muestra más abierto y experimental, con influencias del prog, thrash y speed metal. ¿Fue una evolución natural o una decisión consciente de romper ciertos límites?

Todo salió de forma muy natural. Y creemos que resulta lógico. ‘Sons of a Lie’ es un disco bastante homogéneo, donde todo se mueve estrictamente en el hard n’ heavy. Es natural que la banda haya querido expandir horizontes explorando otros caminos. La variedad de ‘Square One’ salió de forma muy fluida, sin forzar nada la maquinaria. Salvo quizás ‘Untiring eagles’, que sí requirió varias reformulaciones, las canciones han salido a la primera para todos. Las hay que son prácticamente improvisaciones para algunos instrumentos. Según nuestra experiencia, las canciones suenan más potentes y sinceras cuando se mantiene esa frescura inicial. Luego ya te devanas los sesos en la mezcla y masterización jajajaja.

• En comparación con Sons Of A Lie, este nuevo álbum da más espacio al resto de instrumentos y no gira tanto en torno a las guitarras. ¿Qué os llevó a replantear ese enfoque?

Al poco de sacar ‘Sons of a Lie’ nos quedamos sin un guitarrista y nos vimos obligados a reformular los temas de ese disco para el directo. Decidimos seguir como cuarteto por simplificarnos la vida, para sonar más limpios en concierto y porque los cuatro somos íntimos amigos.

Jonjo es un guitarrista atípico que -¡sorpresa!- piensa en la canción antes que en su ego. Mientras otros priorizan hacer un ‘sweep picking’ a cinco cuerdas en escala mixolidia to guapo que van a meter en el solo, él piensa en todo lo demás.

De nuevo, todo ha surgido de forma muy natural. Cada instrumento ha reclamado su espacio según hemos crecido como músicos y como banda. La guitarra, en contra de lo que todo el mundo piensa, no es el instrumento más importante del rock; es uno más. Mira a la banda Moundrag: con un teclado y una batería hacen un rocanrol setentero cojonudo.

• Temas como “Dark Poison”, “Knightwalker” o “Speed And Rave” conectan claramente con el heavy metal clásico, mientras que la canción que da título al disco explora terrenos más épicos y progresivos. ¿Cómo trabajáis el equilibrio entre tradición y evolución?

Como buenamente sale jajajaja. Podríamos decir que hay una fórmula y que todo está medido… pero mentiríamos. ‘Square One’ salió con una aproximación más ‘progresiva’ y con tono más melancólico porque partió de la letra. Era una letra muy larga y elaborada, con planteamiento, nudo y desenlace. De hecho, hubo que meterle tijera jajajaja. Es normal que desde este punto de partida saliera una canción larga y con muchas secciones.

El resto de temas quizás tienen una aproximación más tradicional, partiendo de motivos instrumentales y por eso suenan más a heavy ‘de toda la vida’. Con ‘Dark Poison’ buscábamos un tema muy cañero que condensara bien la esencia de la banda para arrancar el disco. Con ‘Speed and Rave’, jugar con un tempo rápido, cercano al speed (valga la redundancia) y el thrash. ‘Knigtwalker’ se planteó desde el principio como un medio tiempo clásico, muy en la línea de los temas que hicimos en el ‘Sons of a Lie’. Hay un poquito de todo.

• Vuestras influencias van desde leyendas como Barón Rojo u Obús hasta bandas más actuales de la escena estatal. ¿Cómo veis el momento actual del heavy metal en España?

Nos sentimos afortunados de pertenecer a una hornada de bandas jóvenes muy prometedora. En España siempre se ha hecho heavy y siempre se ha hecho bien. Ahí están los clásicos para demostrarlo. Sin embargo, con el siglo XXI hemos visto que cada vez más bandas se aventuran a cantar en inglés e intentar buscar un impacto más global y no solo para el público hispanohablante. Tenemos en nuestras fronteras una joya que da fe de esto: los Angelus Apatrida. Qué buenos son y cuánto se merecen todo el éxito que reciben.

Más concretamente, en la NWOTHM tenemos bandazas como Redshark, Crimson Storm, Phantom Spell, Hitten, Loanshark, Iron Curtain, Savaged, Raptore, Chantrice, Wildhard, Aeroscreamer… Y la lista sigue. Creemos que tienen un nivelón y nos encantan. Además, todos son gente de puta madre.

Respecto al público, me temo que no podemos decir del todo lo mismo. Sentimos que a mucha gente le cuesta abrirse a escuchar nuevas bandas, incluso entre oyentes de heavy metal. Nos da un poco de pena porque sentimos que no se fomenta el relevo generacional lo suficiente. Con un pequeño empujón de algunos oyentes, tendríamos una de las mejores escenas de Europa y vete tú a saber si del mundo. ¡Vamos, señores! ¡Apaguen Rock FM y salgan al garito de su barrio, que hoy tocan unos chavales de puta madre!

• En 2024 debutasteis en directo en Alemania en el Trvheim Festival. ¿Qué supuso esa experiencia y qué diferencias notasteis respecto al público español?

Guardamos con muchísimo cariño esa experiencia. Fue nuestro primer bolo fuera de España y eso nunca se olvida. Fue un fin de semana increíble, con muy buen rollo y compartiendo cartel con bandazas de primer nivel. Como anécdota, varios miembros habíamos estado unas semanas antes en el Rock Imperium de Cartagena viendo a Praying Mantis… y en Trveheim compartimos escenario y backstage con ellos. Muy majetes, cercanos y humildes.

Respecto al público, la verdad es que los alemanes son bastante serios en comparación con los españoles. Vimos que estaban bastante quietos y con semblante serio. Luego se te acercaban y te decían: “Oye, qué buen concierto. ¡Me ha encantado!”. Joder, pues no se ha notado jajajajaja. En estas cosas se ve que hay un choque cultural. Nuestro carácter mediterráneo es más jovial, pero en el fondo disfrutamos igual de la buena música.

• Con Square One ya está en las tiendas publicado vía High Roller Records, ¿qué objetivos os marcáis para esta nueva etapa de Rave in Fire, tanto a nivel discográfico como en directo?

Nuestro objetivo sigue siendo el mismo que cuando empezamos: hacer música y disfrutar en el proceso. Si presentamos el disco ante 100 personas o ante 10.000 vamos a estar satisfechos igualmente. Obviamente, nos encantaría llegar a grandes escenarios y salir mucho fuera de nuestras fronteras. Pero llegue lo que llegue, estamos felices. No nos hemos marcado objetivos concretos más allá de intentar hacer un buen disco para que la gente menee la cabellera.

• Al ser una banda con vocalista femenina dentro del heavy metal tradicional, ¿sentís que todavía existen prejuicios o barreras en la escena, o creéis que eso está cambiando por fin? 

Para nada. La época en que a Azuzena (cantante de Santa) le pedían que enseñara las tetas en el escenario ha quedado atrás, afortunadamente. Por otro lado, creo que a nadie debería extrañarle ver a mujeres haciendo heavy metal, porque llevan haciéndolo desde que se inventó.

Sele y Sara están cómodas en la escena sin sentirse discriminadas por su sexo ni nada parecido. Como mucho, muy de vez en cuando se siguen encontrando fans con comportamientos inapropiados o gente que ‘fetichiza’ solo por ser mujer dejando en segundo plano la música. Pero son una minoría.

• El concepto de Square One sugiere un nuevo comienzo. ¿Tiene el disco también una lectura a nivel personal o vital para la banda más allá de lo musical?

Sí. ‘Square One’ se basa en una vivencia personal de Jimi, nuestro batería, que tuvo una época en la que sentía miedo escénico y llegó a pasarlo muy mal encima del escenario. Tuvo que hacer un trabajo introspectivo, reenamorarse del instrumento y enfocar la música de una forma menos obsesiva. Fue una experiencia dura para él, con muchos quebraderos de cabeza, pero que le ayudó a crecer como músico y como persona. En cierta manera, tuvo que volver a la casilla de salida (eso significa square one) par poder continuar con buen pie. Escribir esa canción le ha ayudado a continuar por esa nueva senda. Es un buen ejemplo del efecto terapéutico de la música.

• Si tuvierais que recomendar Square One a alguien que aún no conoce a Rave In Fire, ¿qué canción elegiríais como carta de presentación y por qué?

‘Dark Poison’ es una buena opción. Es enérgica, coreable y accesibles para cualquiera con un poco de gusto musical. Si quieres algo más ‘tranquilo’ quizás Witches’ Hell es buena opción. Y si te mola la caña más punkarra y macarra, ‘Speed and Rave’ es tu canción.

Muchas gracias por esta entrevista y un abrazo a todos los lectores de MetalCry 😉