Entrevista a Elba Blanco (WHITEDEMON): “Aún tenemos que demostrar el doble para ser tomadas en serio”
Elba Blanco es la vocalista y compositora de WHITEDEMON, que lleva tres años dedicada a la música. Su vida profesional se reparte entre los escenarios y la enseñanza, pero vamos a dejar que Joss Metalcry nos descubra más de ella en esta entrevista.
Mi objetivo es hacer un especial de varias formas de cantar en diferentes estilos y pensé en ti desde el principio para que hablemos de eso en el género de tu tesitura vocal, pero para empezar con buen pie la entrevista que mantendré contigo y que nuestros lectores sepan un poco de ti antes de entrar en materia con esto. ¿Quién es Elba Blanco para el lector que te descubra por primera vez?
Soy la vocalista y compositora de WHITEDEMON, una banda de Atmospheric Groove Metal donde desarrolló gran parte de mi identidad vocal y artística y trato de explayar la parte más intensa y personal de mi voz, además participo en otros proyectos musicales que me permiten moverme entre distintos estilos y seguir descubriendo nuevas formas de cantar.
Tengo 20 años y actualmente estoy cursando el tercer año del grado superior de música en la Escuela Superior de Música Jam Session, que se encuentra en mi ciudad, Barcelona. Me dedico a la música desde hace tres años, mi vida profesional se reparte entre los escenarios y la enseñanza; me dedico a dar clases de piano, canto y teoría musical.
Llevo formándome y estudiando música desde muy pequeña, muchas veces siento que no la elegí yo de manera consciente, sino que ella me ha acompañado y se ha convertido en un pilar fundamental. Siempre ha estado ahí, formando parte de mi día a día, y con el tiempo se convirtió en mi vocación y en mi forma de vivir.
¿Cuáles fueron tus primeros pasos con el canto?
Mi vínculo con la música empezó prácticamente desde que tengo uso de razón, creciendo en un hogar donde este arte siempre ha estado muy presente, mi padre es músico profesional y mi madre una gran amante del arte en general, ambos se dedican al ámbito artístico así que la música nunca faltó en casa.
A los 4 años empecé a estudiar música de manera extraescolar en un grupo de sensibilización musical infantil, y a la par de manera individual inicié mis estudios de violín y piano, pronto me di cuenta de que había algo en el lenguaje musical que me cautivaba.
Con el tiempo descubrí que mi verdadera pasión era la voz. Me encantaba cantar las melodías que tocaba al piano y acompañarme con él, explorar y disfrutar interpretando estándares clásicos como “Fly Me to the Moon» junto a mi padre, entre otros. Inicie mis estudios de canto a la edad de 8 años aproximadamente y seguí también con lo que ya cursaba. Desde pequeña, cantar se convirtió en mi forma más auténtica de expresarme, y esa conexión con la música ha ido creciendo conmigo hasta convertirse en el centro de mi vida profesional y personal.
Pues a ti te he descubierto por el “mono” de TERRORISTAS DE LA MÚSICA, y me dijo que estabas en la banda WHITE DEMON, donde haces Atmospheric Groove Metal: canciones devastadoras que apuestan por la energía y la crudeza para ofrecernos un latigazo lleno de coraje. ¿Podríamos saber tus influencias?
Me inspiran muchísimos artistas de géneros muy distintos. A nivel vocal, adoro a leyendas del Jazz y Soul como Amy Winehouse, Ella Fitzgerald o Aretha Franklin, pero también me fascinan vocalistas de Metal como Tatiana Shmaylyuk (JINJER), Ronnie James Dio, o Sam Carter (ARCHITECTS).
Incluso artistas de Pop como Yebba, Ariana Grande, Belén Aguilera o RAYE me inspiran muchísimo por la forma en que trabajan su voz. Si hablamos a nivel compositivo, mis influencias son igual de variadas: desde proyectos clásicos como KING CRIMSON, THE ALAN PARSONS PROJECT o RAINBOW, hasta propuestas más frescas como HIATUS KAIYOTE, GOJIRA o VOLA.
Y eso sin olvidar a artistas que, aunque quizá no estén en el primer plano de mi mente, también me han marcado mucho, como Silvia Pérez Cruz, Mónica Naranjo o Rachelle Ferrell. La verdad es que no podría quedarme solo con unos pocos. Todos los artistas y grupos que escucho acaban aportándome algo, ya sea técnica, emoción, inspiración o nuevas formas de entender la música y la voz.
¿Cómo crees que ha evolucionado tu voz desde el principio hasta ahora?
Creo que mi voz ha evolucionado muchísimo desde que empecé hasta ahora, y también siento que sigue en pleno proceso de construcción. Cuando era más pequeña, cantaba de una forma muy intuitiva, guiándome sobre todo por la emoción y el oído. Con el tiempo, esa intuición se ha ido complementando con técnica, estudio a fondo y mucha reflexión sobre el instrumento que es la voz.
Una de las razones fundamentales de esta evolución ha sido la cantidad de empeño y horas que he puesto a mi instrumento, mi vida gira en torno a mi voz y a la música desde hace muchos años, el hecho de haber escuchado y estudiado a artistas de distintas épocas y géneros me ha ayudado a entender que cada género exige un enfoque diferente y que la versatilidad es fundamental.
La mezcla de muchos estilos y técnicas a la hora de cantar ha conseguido que cree, ya de una manera natural sin forzar nada, un sonido propio en mi voz del que estoy orgullosa pero que aún está en proceso y ha de madurar, tan solo tengo 20 años, soy una persona muy autoexigente y no me conformo con cualquier cosa, a mi voz le exijo muchísimo y supongo que eso también genera una evolución, no conformarme con poco y saber que siempre puedo hacerlo mejor ha hecho que siempre del 100% de mí y un poco más, en ese “poco más” es donde me doy cuenta de lo que puedo llegar a hacer.
Creo que la base de la evolución, en mi caso ha sido así, está en una mezcla de tres ítems: Una buena enseñanza; tener un buen profesor que te ayude y te guie; escuchar muchísima música, nutrirte de la trayectoria e historias de otros artistas y buscar esa inspiración y retos, y finalmente lo más importante para mí, la humildad, el ser consciente de quién eres y como es tu voz y cuáles son tus errores siempre te hará mejorar.
Siempre he pensado que creerse el mejor en algo es ridículo, ya no solo porque no hay nadie perfecto (siendo las imperfecciones son bellas también) considero que cuando ya te crees el mejor no aprendes más, pienso que siempre hay cosas que aprender y mejorar.
Mucha gente en este ambiente tiene otros trabajos para subsistir que no tienen nada que ver con lo que le apasiona, teniendo, por desgracia, que cumplir con una jornada laboral por necesidad mientras su verdadero talento queda esperando en un segundo plano. ¿Te da para vivir en este sector?
Como he comentado antes mi vida profesional se divide hoy entre los escenarios y la docencia; desde hace tres años soy profesora de piano, voz y teoría musical, tanto a nivel particular como en el grado profesional de la escuela donde me formé. En definitiva, mi trayectoria es el resultado de una vida dedicada a la composición y al estudio de la música y la voz.
¿Cómo influye tu experiencia como intérprete en tu enfoque pedagógico?
Mi experiencia como intérprete influye directamente en cómo enfocar el plan educativo que llevo con los alumnos y como mi experiencia puede ayudarles. No es el mismo enfoque en alumnos de infantil/primaria/ESO que están descubriendo qué instrumento les gusta tocar y hacen música a modo de extraescolar, que en alumnos adultos de piano y canto en iniciación que hacen música a modo hobby, que en grupos de teoría musical o alumnos de voz más profesionales que están preparándose para entrar en el Grado Superior de Música o incluso ayudarlos en la creación de sus proyectos personales.
El enfoque de las técnicas, tanto específicas del instrumento como de aplicación de la teoría al instrumento, es muy diferente dependiendo del alumno, de su edad, de las horas de clase y de las horas de estudio del propio alumno, trato de amoldarme siempre a que el estudiante cubra sus necesidades, pero impartiendo todo lo necesario para aprender a tocar bien, con técnica, consciencia y, sobre todo, con diversión.
Haber pasado yo misma por todas esas fases, desde alumna extraescolar hasta la preparación profesional, me ayuda mucho a saber qué elementos me ayudaron a mí en esos años, qué me gustaba de mis profesores, que mejoraría y no repetiría de esos años y que me hizo mejorar; mis profesores han sido y son unos grandes referentes para mí en este ámbito de la docencia.
He tenido la suerte de tener referentes pedagógicos muy importantes, entre ellos Alex Tenas, batería de JARABE DE PALO, Nuria Pino y Silvia Antón, cantante y teclista respectivamente de LES TESTARUDES, Charly Chicago productor de ENRIQUE BUNBURY e ingeniero de sonido de Nena Daconte, entre muchísimos otros profesores espectaculares, de cada uno he aprendido no solo conocimientos técnicos, sino maneras de acompañar procesos artísticos.
Pero mi experiencia como intérprete me influye en cómo escojo el repertorio musical que interpretará el alumno durante el curso, es clave saber que canciones escoger para ir trabajando que puedan potenciar su timbre y cualidades vocales, que les motiven a mejorar, estudiar fuera de las horas lectivas, también me ayuda a saber qué técnicas reforzar, cuales aprender y cómo complementar su expresión artística.
Por encima de todo, entiendo la pedagogía musical como un espacio de crecimiento y bienestar. Estudiar no debe convertirse en una fuente de ansiedad o sufrimiento, sino en un complemento que nos ayude a sentirnos más capaces, más expresivos y conectados con nosotros mismos. La disciplina es necesaria, pero siempre de cara al disfrute, la curiosidad y la construcción de una relación sana y duradera con la música.
Ten por seguro que buscaré el hueco para verte en directo en cuanto actúes pronto con la banda. Es sobre el escenario donde un artista demuestra su verdadera esencia; esa es su auténtica prueba de fuego para todos los que os dedicáis al show business. Ojalá confirméis pronto una fecha en Barcelona para poder disfrutar de vuestra música con toda esa adrenalina. ¿Qué es lo que más te caracteriza cuando te subes al escenario?
¡Me encantaría que eso me lo dijeras tú cuando vengas a vernos, estás invitado siempre! Lo que más me caracteriza sobre el escenario es la intensidad, la entrega y la conexión que creó con el público. Para mí, un concierto no es solo salir a cantar, es el momento en el que todo lo que llevo dentro explota. No sé hacerlo a medias, me entrego al cien por cien, llevo mi técnica al extremo y canto desde lo más profundo de mí. Esto nos pasa a todos los integrantes de WHITEDEMON y creo que ahí está la magia de la atmósfera que creamos en nuestros conciertos.
¿Dónde crees que reside el secreto del éxito de un buen artista?
El “secreto” del éxito de un buen artista no está en un único factor, sino en la combinación de identidad, disciplina y humildad. Lo primero es tener una identidad clara. Un buen artista sabe quién es y qué quiere contar. No intenta encajar constantemente en lo que se espera de él, sino que construye un discurso propio, eso implica asumir riesgos y aceptar que no se puede gustar a todo el mundo. Lo segundo es la técnica y la constancia. El talento sin trabajo no se sostiene.
Da igual el estilo: hay que dominar el instrumento, entender el lenguaje musical, entrenar la resistencia física y mental, y tener una ética de trabajo sólida. Pero, sobre todo, creo que el éxito real reside en la capacidad de emocionar, un artista conecta cuando lo que hace es honesto, cuando hay una coherencia entre lo que vive, lo que siente y lo que expresa.
El público percibe cuando algo es impostado y cuando algo es auténtico. A nivel personal, siento que no tengo todo esto perfectamente integrado, pero sí aspiro a ello. A veces cometo el error de exigirme ser siempre impecable, de querer estar a la altura en todo momento, y eso me lleva a preocuparme demasiado por el “qué dirán”. Sin embargo, tengo muy clara mi identidad artística, sé quién soy y qué quiero contar.
Por eso entiendo que esa autoexigencia mal enfocada no es una debilidad, sino un aspecto que puedo trabajar y equilibrar. Creo que también preocuparse por la opinión ajena forma parte del proceso del artista, y en general de la gente joven, hemos crecido y estamos creciendo en una sociedad dirigida por los números, las redes y la cara visible de las cosas, cuanto más mayor te haces siento que menos te importa la opinión de los demás, pero cuando estás en tu juventud preocupa mucho.
Hay multitud de bandas que no tienen el reconocimiento suficiente en España y que no tienen nada que envidiar a muchas otras que vienen de fuera de nuestras fronteras. ¿Tenemos bastante cultura musical en nuestro país?
En España hay muchísimo talento. No lo digo por decirlo, lo veo cada vez que compartimos cartel con otras bandas. Hay grupos con un nivel brutal que no tienen nada que envidiar a escenas de fuera. Han demostrado que desde aquí se puede competir a nivel internacional. Y, sin embargo, muchas veces parece que lo de fuera pesa más solo por venir de fuera. Creo que cultura musical hay, pero está muy concentrada en lo mainstream. Se llenan estadios cuando viene una banda internacional grande, pero cuesta más que la gente apueste por la banda local que está empezando o que lleva años peleándolo en salas pequeñas. Y eso no es falta de talento, es cuestión de apoyo y de mentalidad.
También influye que el metal en España siempre ha sido una escena más de resistencia que de industria. No tenemos el mismo respaldo mediático que otros países. Aun así, hay una base de público fiel, festivales increíbles y una escena alternativa muy viva, fresca y joven. No creo que falte cultura musical; España rebosa de cultura en muchísimos aspectos desde siempre; cine, teatro, literatura, arte visual, música, etc., creo que falta apoyo mediático y respaldo económico por las nuevas propuestas, incluyendo las que no están en tendencia o son más alternativas. Falta que valoremos lo nuestro con el mismo entusiasmo con el que valoramos lo que viene de fuera.
Porque talento hay de sobra, y cuando el público conecta, conecta de verdad. Al final, la cultura musical no se mide solo por lo que suena en la radio, sino por la pasión que hay en las salas, en los ensayos y en cada persona que se deja la piel por sacar adelante su proyecto. Y de eso, en España, vamos bastante bien.
¿Qué factores crees que contribuyen a que algunas bandas españolas no reciban el reconocimiento que merecen?
Desde mi punto de vista, hay varios factores bastante claros, como he comentado. Primero, la falta de industria fuerte alrededor del metal. En España no existe una estructura tan sólida de managers, agencias, medios especializados y promotores que impulsen a las bandas emergentes como ocurre en países como Alemania o Reino Unido, no digo que no los haya en nuestro país, sí los hay, pero en menor medida y con menos recursos, ellos también necesitan de estos recursos para impulsarnos.
Aquí es muy común que sean las propias bandas quienes hacen redes, community manager y promoción. Segundo, quizá todavía tenemos cierta tendencia a mirar más hacia fuera. No siempre, pero sí ocurre a menudo que una banda internacional, aunque esté en un punto intermedio de su carrera, genera una expectación inmediata, mientras que una banda nacional con un nivel similar necesita mucho más tiempo y esfuerzo para llenar la misma sala, no creo que sea algo negativo en sí mismo, sino más bien una cuestión cultural y de percepción.
En tercer lugar, poca presencia en medios generalistas. El metal prácticamente no existe en radio comercial, y si no estás en esos escaparates, es difícil llegar al gran público, aunque la magia del género alternativo se halle en eso, en lo anticomercial. La visibilidad se reduce a nichos muy concretos, hablando también de la fragmentación del público. La escena es fiel, pero pequeña y muy dividida por subgéneros.
Eso hace que muchas bandas tengan que pelear por un público muy específico, encasillarse en un género en lugar de crecer explorando otras sonoridades. Aunque creo que esto poco a poco lo estamos eliminando y la importancia de los géneros musicales en el público más joven ya no importa tanto, hay muchísima más libertad de unir varios estilos en un solo disco y recoger diferentes sonoridades en una canción.
Y en último lugar, y yo creo que lo más importante, la precariedad económica del circuito. Salas que cierran, cachés bajos, pocas ayudas culturales reales para la música alternativa… Todo eso limita el crecimiento. Muchas bandas increíbles se quedan por el camino porque compaginar curro, vida personal y proyecto musical es durísimo.
Todos tenemos cuerdas vocales, un diafragma y unos pulmones, pero lo que realmente marca la diferencia es la forma en que los utilizamos y la técnica que desarrollamos para producir sonidos y emociones a través de la música; no todos somos capaces de hacerlo, y muchas veces algunos artistas recurren a trampas en este aspecto, algo que me parece bastante lamentable y falta de profesionalidad en esto.
La voz es un instrumento único y personal, pues cada persona tiene su propia forma de expresarse a través de ella, y creo que no todo el mundo está capacitado para ello, como mencioné anteriormente y que repetiré las veces que haga falta.
En tu caso en particular, has trabajado duro para desarrollar tu técnica vocal y has logrado un nivel de excelencia en el género, algo que no he podido apreciar todavía en uno de tus espectáculos en directo y espero que pronto pueda hacerlo, ya que mi agenda últimamente está bastante apretada personalmente. ¿Qué métodos técnicos son indispensables para lograr cantar como tú?
Lo que hay detrás es una rutina diaria muy constante. La voz es un instrumento y, como cualquier instrumento, trabajo la técnica todos los días, pero también me pongo retos y me aprendo temas muy complicados, estudio a muchos artistas y salgo de mi zona de confort estudiando géneros diferentes con técnicas y cualidades de la voz diferentes, eso te obliga a crecer, mejorar tus puntos débiles y reforzar la técnica. Y, sobre todo, cuidarse.
Machaco mucho la voz porque tengo varios conciertos y proyectos aparte de WHITEDEMON, así que tengo que saber medir, descansar y dormir bien. Las horas de sueño son sagradas, la hidratación es super importante y hay que saber cuándo parar.
¿Podrías contarnos un poco cómo entrenas la voz?
Entrenar la voz para mí es un proceso constante que combina técnica, escucha y cuidado físico. Primero siempre empiezo con calentamiento vocal que es fundamental y luego ya paso a estudiar. En el superior hay un nivel de exigencia muy alto en todas las asignaturas, y en las de canto esto se nota especialmente.
Cada semestre tengo que preparar un repertorio mínimo de tres temas donde se trabajen aspectos técnicos que se van complicando con los años. También hay entregas de composiciones propias, aprender estudios de scat y solos de voz, hacer sus transcripciones, improvisar sobre modos modales o sobre standards de jazz, lecturas rítmico-melódicas, y muchos otros aspectos que requieren disciplina y constancia, sumándole también el repertorio de la asignatura de banda.
Todo esto me obliga a entrenar la voz de manera integral, combinando técnica, interpretación y creatividad, pero para ello estudio esta carrera, y me encanta. Tener una rutina diaria de calentamiento, repertorio a estudiar para aplicar las técnicas y teoría es fundamental. Pero lo más importante, y lo que más cuesta entrenar, es cantar sin pensar en todo esto, aunque parezca “cursi” cantar desde el alma, ensayar mucho para que las técnicas salgan solas, pero en el momento de la verdad, lo importante es transmitir el mensaje, gozar y sentir la música, y eso solo se consigue desde el corazón.
Hace un tiempo, mi compañero Iván Allué publicó un ensayo llamado «Mujeres, Rock & Heavy Metal: ¿Quién dijo sexo débil?» (Ed Milenio), que trata el tema del machismo también en el ámbito musical, así que no quiero dejar de formular esta pregunta, siendo tú una vocalista que se va abriendo camino poco a poco en el panorama. ¿Ser mujer en un mundo históricamente muy masculinizado ha sido un problema por momentos?
Pues sí, en determinados momentos lo ha sido, sería ingenuo decir que no. El rock y el metal, y en términos generales la música, han sido históricamente espacios muy masculinizados, tanto a nivel de industria como en ciertos sectores del público, donde todavía persisten miradas y actitudes muy marcadas por una cultura claramente machista.
No es que no haya habido mujeres, sino que no han querido visibilizarlas. Y aunque la situación está cambiando gracias a una gran lucha feminista, todavía existen inercias muy claras: comentarios paternalistas, sorpresa excesiva cuando una mujer tiene solvencia técnica, cuestionamiento constante de la autoridad en el escenario o incluso la tendencia a valorar antes la imagen que el discurso.
Está claro que, aunque no siempre y cada vez menos, aún tenemos que demostrar el doble para ser tomadas en serio. Son micro dinámicas que, acumuladas, evidencian que aún hay sesgos. Tanto a Raquel Pizarro, la guitarrista de mi banda, como a mí nos ha pasado de todo, desde ser sexualizadas a ser cuestionadas.
¿Crees que se está avanzando en la igualdad en la música?
Estamos en un punto de transformación real, el cambio generacional es importante, la gente joven ya no se sorprende al ver una mujer en el escenario. Creo que es importante decir que muchas salas han hecho un gran trabajo sumándose al movimiento feminista en cuanto a dejar claro que son espacios seguros donde las agresiones machistas no se toleran, siendo antiguamente los espacios donde ocurrían estas agresiones.
La industria poco a poco también está cambiando, hay festivales y sellos que están siendo más conscientes en visibilizar proyectos diversos, y eso está cambiando las narrativas. Está claro que también está habiendo un auge en la moda y muchas solamente firman con bandas con integrantes femeninas precisamente por eso, porque “somos una moda”, aclarar que eso también es machismo y demuestra que tenemos también mucho camino por delante para dejar de ser el foco de competitividad y que podamos ser tratadas de manera igualitaria.
Pero siendo optimistas, podríamos decir que ahora lo incómodo e inaceptable es que se critique y cuestione a una mujer, y creo que es aplicable en cualquier otro contexto. Cada vez hay más mujeres liderando proyectos con personalidad e identidad fuerte, y eso está normalizando algo que no debería haber sido excepcional nunca. Dicho eso, creo que el avance no es uniforme ni lineal. Aún existen prejuicios, pero no podrán con nosotras.
A lo largo de mi trayectoria como colaborador en medios de comunicación, he observado que algunas cantantes comenzáis vuestra carrera siendo muy jóvenes, mientras que otras lo hacéis a una edad más madura. ¿Existe una edad idónea para empezar?
Si te hablo como cantante, te diría algo muy claro: no existe una edad idónea para empezar a cantar, existe el momento en el que decides empezar en serio. Es verdad que comenzar joven tiene ventajas: el oído se desarrolla antes, el cuerpo se adapta más rápido y te equivocas sin miedo, pero la voz no funciona como una carrera contrarreloj en la que, si no empiezas a los seis años, ya has perdido tu oportunidad, es un instrumento vivo que evoluciona contigo.
La voz madura, cambia y muchas veces gana personalidad con los años. He conocido gente que empezó a cantar con 12 y otros que descubrieron su voz con 25 o 35… y ambos casos pueden funcionar y son especiales. Cuando empiezas de mayor, ya sabes quién eres. No cantas para parecerte a nadie, cantas porque lo necesitas. Tienes vivencias, cicatrices, historias que contar.
En el metal, por ejemplo, la identidad, la actitud y la interpretación pesan tanto como la técnica. Y eso muchas veces se construye con experiencia vital, no solo con edad. En mi caso, creo que la voz no es sólo técnica, es identidad. Y la identidad se construye viviendo. Así que no, no hay una edad idónea. Si hay pasión, hay momento.
¿Qué más hay detrás de tu carrera que nos hayamos perdido hasta ahora?
Una faceta de mi carrera que no siempre se ve es todo lo que hago en el ámbito académico del superior. Por ejemplo, las audiciones de canto y de banda son donde exploro las partes más técnicas de mi instrumento a niveles muy altos.
Aunque estas audiciones son a puerta abierta y cualquiera puede venir, cuesta animarse ya que son completamente académicas, con exigencias de interpretación y versatilidad, pero al mismo tiempo muy divertidas, es la magia de estudiar en Jam Session.
Es un espacio donde me siento especialmente cómoda y donde aprendo muchísimo porque me obliga a salir de mi zona de confort y a probar cosas que en otros contextos no trabajaría. Además, todo cambia cada semestre: se estudian e interpretan estilos diferentes, repertorios exigentes y se trabaja de manera muy intensa tanto individual como colectivamente. Esto me permite desarrollar no solo técnica, sino también musicalidad, capacidad de adaptación e interpretación dentro de contextos muy diferentes. Es una parte de mi carrera que me apasiona, y aunque no sea tan visible, considero fundamental para seguir creciendo como artista.
El pasado día 8 de marzo fue el «Día Internacional de la Mujer», que se viene celebrando desde 1975, cuando fue reconocido por las Naciones Unidas, y aún más de cincuenta años después, nos queda mucho camino por recorrer en una sociedad que es demasiado machista en general. ¿Cuál crees que es el mayor reto de ser mujer en estos tiempos?
Uno de los mayores retos de ser mujer hoy es moverse y expresarse en un mundo donde la sexualización está constantemente presente. A diario estamos expuestas a mensajes que nos reducen a nuestro aspecto o a ciertos estereotipos, y eso genera una presión enorme por compararnos, sentir que siempre debemos “cumplir” expectativas irreales y medir nuestro valor por estándares que no elegimos.
Esa constante exposición afecta la confianza y puede ser muy agotadora emocionalmente. Al mismo tiempo, vivimos en una sociedad donde la violencia contra las mujeres sigue siendo una amenaza real: agresiones, acosos y violaciones siguen ocurriendo y condicionan nuestra libertad y seguridad, llevamos muchísimos años reducidas por el miedo.
El reto real es aprender a construir nuestra identidad y fuerza personal en medio de esa presión entre la sexualización constante a la vez que buscamos espacios seguros y oportunidades para desarrollarnos sin renunciar a ser nosotras mismas y cambiar este mundo. Es difícil, pero también nos obliga a ser conscientes y a apoyarnos entre nosotras para eliminar estas dinámicas machistas.
El movimiento feminista sigue siendo relevante. Aplicándolo al ámbito musical, uno de los retos es sostener la propia identidad sin tener que estar justificándote constantemente y sin encajar en lo que se espera de ti. Como he comentado antes, vivimos en una sociedad que ha avanzado mucho en derechos y visibilidad, pero que todavía arrastra un sinfín de actitudes machistas, expectativas sobre cómo debemos comportarnos, cómo debemos vernos, qué tono usar al liderar, cuánto mostrarnos y cuánto contenernos.
El reto no es solo enfrentarse a situaciones explícitamente machistas, que también existen, sino navegar entre esas exigencias sutiles y contradictorias. Ser mujer hoy implica enfrentarse a contradicciones, sí, pero también tener la posibilidad de redefinir muchas cosas. Y eso, dentro del desafío, es profundamente poderoso.
¿Te sientes identificada con los movimientos actuales que buscan dar más visibilidad al talento femenino?
Sí, totalmente me siento identificada. Dar visibilidad al talento femenino es más que una cuestión de justicia, es reconocer que la música y el arte se enriquecen cuando todos los talentos tienen espacio para expresarse de manera igualitaria.
Y como he comentado antes hay quien quiere aprovecharse de este “auge de visibilidad femenina”, pero poco a poco también lo aboliremos. Me inspira ver a mujeres liderando proyectos, produciendo, componiendo y ocupando espacios que antes eran casi exclusivos de hombres.
Y aunque no se trata de confrontar ni excluir a nadie, sí creo que estos movimientos son un impulso para equilibrar la escena y normalizar que el talento no tiene género.
En Metalcry.com hay miembros de toda España, pero yo, más concretamente, puedo hablar de la escena underground que está viviendo Catalunya desde hace un tiempo. Desde la pandemia de COVID-19, no dejan de surgir bandas emergentes que me sorprenden, pero que no voy a nombrar, como podrás imaginar, para no hacerle un feo a otras bandas que luchan día a día en sus locales de ensayo.
De hecho, podría hacer un especial de un mes entero sobre ellas para que la gente sepa que este tipo de música está más vivo que nunca en España, y que no tiene nada que envidiar a lo que se hace fuera de nuestras fronteras, en el extranjero. ¿Cómo ves este crecimiento de competitividad desde dentro?
Desde dentro se vive con una mezcla de vértigo y orgullo. Es increíble que seamos tantas bandas intentando crecer al mismo tiempo, compartiendo salas, carteles y kilómetros de furgoneta.
Eso habla de una escena que está muy viva con sed de tocar. Es verdad que cuando hay tantas propuestas es inevitable que se hable de “competitividad”, pero, sinceramente, no es un enfoque que me guste demasiado, bastantes piedras nos ponen ya por ser música alternativa, por no encajar en lo comercial o en lo que suena en la radio; no tiene sentido que nos las pongamos nosotros entre compañeros.
Lo bonito de nuestro género es que, a diferencia de lo mainstream, aquí no hay un número uno absoluto al que todos tengan que mirar y admirar sus redes, no funciona así, esto no va de rankings, va de comunidad.
Somos un conjunto de bandas formadas por amigos, por hermanos, por compañeros de trabajo que un día decidieron crear un proyecto para expresarse, compartimos escenario y muchas veces también público, equipo y apoyo. Al final, más que competidores, somos parte de la misma resistencia cultural.
¿Podrías recomendarme bandas emergentes para entrevistar en el futuro?
Por supuesto, puedo hablar de algunas bandas compañeras aquí en Catalunya que también merecen mucho reconocimiento, de verás. Por ejemplo, MATTEN, recién llegada a la escena, mezcla metal y jazz de forma mágica. EXESSUS, un poco más consolidados, siguen luchando por hacerse un hueco con su thrash metal único y están a punto de sacar un disco que promete mucho. También tenemos a STRAYED FROM WILL, metalcore potente, jóvenes y con talento, y IT CAME FROM THE VOID, groove/deathcore de lo más potente que he escuchado, con un directo alucinante, valen mucho la pena. Con ellos y EXESSUS compartimos cartel en la segunda edición del METAL ARENA, un festival emergente con una propuesta brutal.
Y esto es solo la punta del iceberg: hay muchísimo talento aquí en Catalunya, con bandas como INDAR, WE EXIST EVEN DEAD, SERAPIS PROJECT, TERMINAL VIOLENCE o RADITY demostrando que la escena está más viva que nunca.
Desde el lanzamiento de vuestros EPs «NANKURUNAISA» (2023) y «FAIRYTALE» (2024), no habéis publicado material nuevo, pero habéis mantenido un ritmo frenético de actuaciones, y espero que siga creciendo por el bien del género. ¿Hay algún proyecto nuevo en la cocina que podáis adelantar?
Hay un proyecto nuevo en la cocina, pero no podemos adelantar mucha cosa ya que estamos en el proceso de composición, tenemos la idea, la historia y sabemos lo que queremos hacer, pero necesitamos cocinarlo a fuego lento para que tenga el mejor resultado posible, se viene algo muy interesante.
¿Tenéis alguna canción que haya tenido bastante repercusión?Si miras en Spotify, “Underwater Odyssey” acumula más de 15.000 reproducciones y es uno de nuestros temas más potentes en estudio. En YouTube, “Hekate” destaca con más de 75.000 visualizaciones y más de 8.000 reproducciones en Spotify; es nuestro tema con perspectiva de género, donde la protagonista es esta diosa maravillosa y en directo solemos hacer pequeñas variaciones que le dan un toque mágico, ya las descubrirás cuando vengas.
Por otro lado, “Doppelgänger” y “Fairytale” son de las canciones que más conectan en directo, con una energía especial que hace que el público viva momentos realmente únicos. Así que, aunque algunos temas tengan más repercusión en streaming, en el escenario cada canción tiene su propia fuerza.
He visto que tenéis varios videoclips editados y eso es bastante interesante. Hoy en día, en la época en que todo está relacionado con los vídeos que se mueven por las redes sociales con soltura, eso es promoción. Veo que es un acierto que las bandas graben imágenes para que haya visualizaciones, cara a los directos que os salgan. ¿Están teniendo muchas reproducciones?
La verdad es que los videoclips están teniendo muy buena acogida. Por ejemplo, el videoclip de “Hekate” demuestra que funciona muy bien como carta de presentación y que conecta con la gente. Además, tener material audiovisual es fundamental hoy en día, porque permite que nuestra música llegue a más personas y crea un primer contacto potente antes de los directos.
¿Puedes adelantarnos sobre tu futuro inmediato?
Lo único que puedo adelantar ahora mismo es que este año tenemos varias fechas muy interesantes confirmadas y estamos intentando cerrar algunas más para poder llegar a más público y seguir compartiendo nuestra música en directo. Por otra parte, como mencioné antes, estamos en pleno proceso creativo de lo que será nuestro tercer trabajo de estudio.
Estamos componiendo, experimentando y cerrando todos los detalles del nuevo material, buscándole los tres pies al gato a todo lo que hacemos para sacar algo realmente sólido y coherente dentro del álbum. Ya hemos tocado uno de los temas del álbum en directo en Pamplona, nuestra segunda casa, y el feedback ha sido realmente increíble.
No puedo prometer que en futuras fechas toquemos temas nuevos, pero cabe la posibilidad de que eso ocurra. Es un proceso muy emocionante porque nos permite explorar nuevas ideas, técnicas y sonidos, y al mismo tiempo seguir consolidando nuestra identidad como banda.
Hasta aquí llega esta batería de preguntas. Te agradezco mucho tu amabilidad y el tiempo que nos has dedicado para responder con tanta rapidez… ¿Hay algún mensaje más que te gustaría añadir?
Solo me queda dar las gracias de corazón a Metalcry.com por la oportunidad de poder hablar de mi trayectoria, proyectos y dar voz a mi discurso en este espacio. Quiero aprovechar para subrayar lo importante que es visibilizar a artistas emergentes, entrevistas como esta ayudan a que proyectos nuevos se conozcan, se reconozca el esfuerzo detrás de cada banda y cada músico, y se construya una comunidad más fuerte.
A todas las futuras bandas y artistas que están empezando, les diría que confíen en su voz, en su identidad y en su capacidad de crear, que el camino no siempre es fácil, pero cada paso suma, y que la pasión y la constancia acaban dando frutos. De nuevo, muchísimas gracias por este espacio, por escuchar y por valorar lo que hacemos los artistas, y en este caso las mujeres dentro de la música. Significa mucho y anima a seguir adelante.
